El título de este poemario, Lamentos y ecos urbanos, es absolutamente significativo del contenido del mismo. En él, Julio César Aguilar desnuda la realidad de los individuos modernos que habitan en las macro-urbes, esa realidad desoladora, enajenante y artificial que se despliega en un ámbito espacial de moles de cemento, rascacielos de titanio y edificios de cristal y que se vertebra en arterias de asfalto, calles empedradas y aceras adoquinadas, esa realidad deshumanizante en la que los hombres y mujeres pululan en un desconcierto de soledades, en la incertidumbre de la incomunicación y en el absurdo de una existencia de gallina ponedora, de perro guardián, de loro vocero o de hormiga laboriosa y se agolpan en el muro del progreso en un amasijo de vidas reunidas por idéntico infortunio y similar negro presente. La ciudad se presenta como un cosmos hermético, asfixiante, gélido y anónimo, como un desierto alquitranado de nihilismo, mientras que el sujeto humano se descubre como un ser ínfimo, desvalido y lastrado de impotencia, como un soldado desarmado en medio de una continua refriega, como un ruiseñor que trina y muere en cualquier suburbio. Eso sí, precisamente por esta consciencia de humanidad precaria que anonada al urbanita, por el reconocimiento de su insignificancia, por la necesidad de autosuperación que le es propia a éste, Julio César Aguilar entorna la puerta de la esperanza y afirma creer aún en la bondad de los seres humanos, en la magia del universo, en la grandeza de la vida y en la verdad de la poesía.

ADRIÁN ARZA

Recuerda, último libro de Jesús Aller hasta la fecha, supone un regreso al poema, en verso y en prosa, y una nueva y madura incursión en las viejas obsesiones. Asistimos en él a un recorrido por la historia del Universo desde sus mismos orígenes hasta los acontecimientos que nos preocupan hoy. Literariamente, el libro supone un tratamiento poético de materiales tan heterogéneos y difíciles como las ideas cosmológicas o geológicas más recientes, la psicología budista o el discurso radical altermundista. Es un difícil reto, pero al final todas las voces y todos los discursos, y la conjunción aquí también de bellas fotografías, acaban construyendo un libro que destila una extraña y sugestiva unidad.

Frecuenten a este autor. Comprobarán que sus escritos nacen solo de una poderosa necesidad, más allá de la profesión o el entretenimiento. Y prepárense para afrontar, en verso y en prosa, altas dosis de intensidad, ese bien tan escaso hoy día en nuestras letras. No es esto algo que pueda despreciarse.

En el primer libro de Juan Arabia -muy personalmente lo digo- creo advertir destellos de esa voz que elevará luego, enriqueciendo el género con versos nuevos, similares muchos de ellos a los que aquí presenta al lector. Ello quiere decir que aquí, en este volumen, el lector ya podrá apreciar la presencia sacudidora y sorprendente de algunos hallazgos que le debemos al autor; que le deberemos para siempre. Es verdad que todo primer libro acusa influencias visibles, contaminaciones y condescendencias de las que el joven autor es el único culpable; pero también es cierto que aquí, en Canciones del Gólgota, si sacudimos bien la coladera, para que retenga ripio y otras imperfecciones, en el fondo del cubo veremos brillar más de un fragmento de aquello que buscamos al abrir un libro de poesía. En tren de minería literaria, hay aquí una buena veta, la de Arabia, que promete ensancharse pronto: nos queda el privilegio de ser los primeros en leer los primeros versos de este autor, que ha agregado al mundo un objeto que antes no existía, el libro que tenemos en las manos, y algunos mundos más, que son aquellos que él habita.

En principio, vemos que Arabia no se propone escribir como un período de la historia literaria, sino como un poeta, y ello, además de un sano ejercicio de ortodoxia poética, ya es un rasgo de plena originalidad, visto lo fácil que caen en la tentación de ser "contemporáneos a ultranza" muchos de sus compañeros de generación, simplemente porque algunas razones, definitivamente extrapoéticas, parecen imponer esta condición, más propia de la moda que de la letra. Es un primer rasgo de valentía, además de originalidad. Aunque no es lo más importante del volumen, no quise dejar de destacarlo, por lo desgraciadamente inusual y por todo lo que nos dice sobre el autor de estos versos.

En segundo lugar, pero no por ello menos importante, se comprenderá fácilmente, están los rasgos apreciables en la versificación libre de Arabia, donde las palabras surgen de una cosmogonía que está haciendo propia, suya, diseñando los rincones y las profundidades de un universo particular. Este mundo virtual que habita Arabia está en permanente construcción, en continua expansión y modificación. Es un cosmos dinámico, no pasivo, sino continuadamente transformado por la misma escritura que lo expresa; tenemos la certeza de comprenderlo, de haberlo comprendido, casi, al cabo de varios versos que hemos leído; pero ya, a la vuelta de página, nuestro nuevo autor nos brinda un paraje nuevo, introduce flamantes modificaciones en aquello que creímos acabar de abarcar con la lectura y de esta habilidad, principalmente, vienen esas sorpresas que salpican la lectura hacia lo hondo de Canciones del Gólgota. Verso a verso, como era previsible, encontramos esta similitud o aquella otra con algo que ya leímos en diferente sitio; pero separando dentro del mismo verso o del mismo poema esta capa de disfraz, lo que podemos ver claramente es el tratamiento personal que el autor le ha dado a un concepto o una forma que le ha brindado otro. Allí nos embosca una nueva conceptualización que es genuina y propia de Arabia; está entera, evidente, o tenemos de ella un gran vestigio; seguramente, en su segundo libro la veremos más nítida, si es vestigio o evidencia mediana en éste, pero aquello que es nuevo y propio ya del autor se ofrecerá engrandecido y caminará sin duda con pasos todavía más firmes que los que da ahora.

Un tercer aspecto, a tomar en cuenta en este inicial Canciones del Gólgota: trasunta sinceridad. El autor no miente: siente y escribe cuando siente y quiere escribir. No se impone hacerlo, porque vaya a desear escribir perentoriamente un poema. Para Arabia no hay intención o imposición de escritura; este defecto o pecado mortal del género, al que bien podríamos denominar "alevosía seudopoética", que lleva a tantos a forzar la pluma cuando nada hay para decir, da por resultado cuerpos muertos, quizá bellos -si al delincuente literario le dan las mañas- pero exangües, carentes de la más mínima chispa de vida. Es por ello que en lo escrito por Arabia, aunque se noten imperfecciones, todo se muestra como la expresión de lo vivo, que puede ser sufriente -de hecho, así se muestra en buena parte del corpus del libro- pero nunca enfermo por el vicio de escribir sin tener nada que decir, o nacido muerto por la misma causa.

Como dije antes, estas pobres glosas de lo hecho por Arabia en este libro, al contener el volumen genuinas muestras de poesía, no pueden siquiera reflejar a medias de qué se trata Canciones del Gólgota, pero quizá le den alguna orientación o pálida descripción al lector -no el mapa de caminos que él mismo va a construir, seguramente-. Pero si atinan mis palabras liminares a ratificarle que yo, como él, he gozado al encontrar muestras claras del auténtico metal de que está hecha la poesía -entre tanta falsificación al uso, en nuestra lengua y en otras- en este primer libro, estas glosas habrán servido de algo, además de tener el honor de haber acompañado la primera edición, de la primera obra de un poeta de verdad. 

¿Qué mejor, para un lector de poesía, que tener el privilegio de escribir sobre aquello que más le gusta, una vez que lo ha encontrado?

LUIS BENÍTEZ

Sin sombra es un poemario dedicado a la muerte del amor.

Intenta mostrar todas las facetas del poliedro de la pérdida: Pasar página (recomendación inútil y bienintencionada de los cercanos), Guardar todos los objetos (deshacerse de las cosas como si fuera una catarsis), Comenzar una nueva vida (¿es posible la vida más allá de la muerte del amor?), El duelo (el duelo, siempre el duelo, aferrarse a él), El grito: falta ella y falta todo (la desesperación ante lo irreparable), El tiempo de las apariciones (adivinar su figura en la calle, el delirio), Abandonar el duelo (¿el desapego es una traición?), El dolor de la pierna mutilada (el dolor de la ausencia, del vacío), El tiempo del delirio(el dolor produce fiebre, delirio), Escribir la carta de despedida (intento de despedida), Maldecir sus recuerdos (maldecir el mundo, universal e interno), Visitar el cementerio (enfrentarse a la muerte mas desmedida), Tu fantasma me acosa (las apariciones de un alma en pena), Tú que nunca volverás (la atroz confirmación) , Efemérides, aniversarios ( a pesar de todo el tiempo pasa).


Post-scriptum

Post-scriptum es una addenda, un epílogo, el intento de descifrar, la búsqueda de la palabra más allá de la muerte del amor, la constatación de que todo no está dicho, que aún queda una deuda pendiente, los poemas para el cuerpo no fueron escritos. Ha llegado el tiempo de no escribir poemas de amor, de desamor, es el tiempo de la palabra.

Cuando le preguntaron a una poeta por su biografía tan solo dio la fecha y lugar de su nacimiento, afirmando que “el resto es literatura”.

Frente a la tentación de construir biografías deformadas por la leyenda, construidas para adornar, engalanadas para la propia vanidad.

Buscar los viejos papeles guardados en cajas polvorientas, las fotografías desvaídas, los olores guardados en los rincones de la memoria, las imágenes aleatorias, la luz engañosa de ciudades visitadas, las palabras dichas para otros oídos, las habitaciones que un día nos dieron refugio, descanso, mal dormir, amor y dolor, las presencias intuidas…

Imágenes recurrentes que vuelven con más intensidad que cualquier accidente vital, imágenes exentas de la pesadilla existencial, sueños, deseos, apariciones, cosas que nunca se dijeron, espejismos que nos dieron la mano y nos salvaron.

Estancias, habitaciones, lugares, imágenes que por azar o descuido la memoria guardó con una impresión profunda, seña, marca, huella...

En el Pacífico es una obra que nació tras la evidencia de un pasado lejano en el que varios personajes se vieron involucrados en una bella aunque cruenta historia de amor, un amor sin precedentes, con tintes de leyenda, una relación envuelta en una membrana de miedo silenciado, sólo patente en la entrega absoluta de la protagonista. Es una obra que nace debido a la urgente necesidad de luz.

El poemario está dividido en tres partes. La primera parte, titulada Las piezas, presenta a los personajes y muestra sus primeras acciones. Son pinceladas que aparecieron en sueños y fueron salpicadas en unos poemas que evocan amargos y hermosos recuerdos. Son versos escritos con un inquietante apremio: “Tuve que escribir lo sucedido./Fue preciso./Fue apremiante”

En la segunda parte, El puzzle, las emociones afloran con una alarmante facilidad aunque algunas de las rimas son mucho más concretas. Es aquí donde el sentimiento amoroso ocupa su merecido lugar, es aquí cuando comienza a vislumbrarse la esperanza de un encuentro venidero, a pesar de los impedimentos existentes y del paso del tiempo. Son poemas que ahondan en certezas descubiertas forzosamente. Me parece oportuno destacar el poema Desierto azul, que es una visión en la cual un unicornio con un cuerno central y dos astas laterales, transmite su mensaje milenario: “Ese hombre que vino del principio/ es la mujer que ahora eres tú.” 

La tercera parte de En el Pacífico, que lleva por nombre El cuadro, es una explosión de color, de pasión, de ternura y de dulce entusiasmo. Es el amor en toda su magnificencia y esplendor: “Despertaron a la noche de verano/ y desayunaron caracolas frescas/ con esencias de flores australianas.” 

Si tuviera que definir el poemario con un único adjetivo, diría que es una obra balsámica.

María José Arques Cano

En "Versos pretéritos" Roberto Attias trasluce la sinceridad desgarradora de quien se ve atrapado en el flujo sinérgico de la temporalidad - en el embargo de la inexorable contextura antero-posterior de la realidad- y siente que está obligado a verterla en versos que desvelen las manifestaciones del pálpito de esa realidad desgranada en vivencias inefables. Por eso nos promete traer todos los otoños bandejas rpletas de hojas amarillas, "una sonrisa empapada de vientos", "una amapola blanca", "una canción de cuna" y "un pájaro herido de lluvias nocturnas". Por eso se esfuerza en liberar mariposas todas las primaveras y en estampar en sonrisas la alegría de los campos de trigo que se convertirá en el pan de cualquier niño o niña. Por eso llorará amores malogrados, desparramará chorretones de melancolía y vertebrará un futuro que desborda abismos de amor. Y a fe que lo consigue en este poemario.

NICOLÁS ZIMARRO

Los textos que vienen a estas páginas de la mano del poeta Carlo Barbarito entablan diálogos anteriores al lector que ahora los visita. Otro tanto ha ocurrido, un buena medida, a lo largo de la obra de este autor argentino, de hondo aliento humanista, y dolorida, sincera, precisa visión del hombre y su complejo entorno.

Son diálogos con otros creadores, citas en la memoria que darán lugar al entramado de percepciones, interpretaciones, nuevas maneras de abordar sucesos ajenos, que también son propios y, en suma, universales. En el trayecto marcado por estos poemas estarán entonces, los ecos de un músico: John Cage, de un escritor: Marcel Proust, y de varios artistas plásticos: Frida Kahlo, Rothko, Ernst, Hopper, Motherwell, Klimt y la fotógrafa, aquí fotografiada con palabras, Tina Modotti.

Mauricio Bernal Restrepo presenta en este poemario toda una teoría social, desarrollada en diferentes sonetos. La temática es variada, aunque todas las cuestiones confluyen en la reivindicación de la libertad y la dignidad de los individuos humanos, así como de la justicia social para su gente y la paz para su pueblo. Él lo explica de esta manera, como no, por medio de un soneto: 
"Gracias os doy mis señores por gesto queredme escuchar
estos sonetos amados que mi alma volátil gestó con placer
algunos de ellos algo alocados seguro os harán conmover
porque esta cabeza que tengo jocosa a veces intenta mofar. 

Es mi discurso expresión de un pueblo que quiere soñar
con pacto sagrado que busque la forma de bien compartir
acuerdo sensato que deje la vida querida sonriente cursar
a tiempos de gloria que presto deja la forma de bien dirigir.

Estos mis versos amados a todos vosotros os quiero ofrendar
muchos de ellos poquito discretos es mi deseo podáis digerir
en caso contrario a todas las musas de cierto yo debo culpar.

Contento me siento en este momento por causa tan especial
este compendio que en mí ha nacido feliz terminé de escribir
aquí os lo dejo podáis evaluar y gracias por trato tan fraternal". 

Bernal escoge el tipo de estrofa del soneto porque entiende que es el idóneo para su propósito de denunciar el sufrimiento de las personas que padecen en sus carnes los embates de la pobreza, la indigencia, la violencia política, el menosprecio cultural y la injusticia social. Esto insinúa al menos en el soneto titulado "Sonetofilia". Y es que él quiere ser embajador de su gente, como reconoce en el soneto "Anhelo", y pretende proclamar a los cuatro vientos la situación precaria de la población colombiana, sus ansias de paz y concordia social, su orgullo herido de pueblo trabajador y noble y la necesidad de un futuro cercano pleno de felicidad para los más desfavorecidos.

En estos momentos donde la materialidad ha eclipsado casi en su totalidad la expresión de la espiritualidad. En este mundo cargado hacia la acumulación de riquezas, la metafísica es cosa de unos pocos. Roberto Canto en estos relatos fantásticos nos sumerge de nuevo en esa parte de la subjetividad humana que es el estar ligado a la inmaterialidad, a la creencia en un ser supremo que da y guía los destinos del universo. Nos regresa a nuestros orígenes. Este presupuesto que se antoja para muchos, parte de un pasado, en Roberto Canto es una flama viva, llena de pasión y de emanación inagotable. El autor aborda estos temas lleno de la fortaleza acumulada a lo largo de los años. Del contacto con lecturas de clásicos de poesía y de la literatura religiosa. Me recuerda a los autores del medioevo español donde la alabanza es una forma de agradar a Dios.

También se asoma a las profundidades de la mente de los humanos y en su relato “El Faraón” nos muestra facetas existentes en una misma persona que es victima y depositario de las almas que habitan en cada uno de nosotros, así el intelectual choca con el tirano y el santo, se solaza en el artista y sufre su propia oscuridad. 

Me remite al texto “El lobo estepario” donde Hesse de manera magistral nos muestra a un personaje atrapado en la lucha de sus dos Yo, el hombre y el lobo. Acá Roberto Canto nos muestra cuatro facetas de un mismo ser y Hesse nos dice en su texto “Pobre Harry cree que tan sólo son él y el lobo, no sabe que el hombre es una cebolla de cien telas” Somos muchos durante el día, durante nuestra existencia.

Por otro lado, las reminiscencias del lugar que le ha dado cobijo durante su incipiente existencia, lo ha impregnado del misticismo que conlleva el vivir bajo el manto de la Virgen de la Candelaria. Quilá es un pueblo de magia, la cual se palpa en sus esquinas, en sus aceras, en su gente… Canto se inspira en él y evoca innmumerables recuerdos en honor a su tierra. Es delicioso ir tocando uno a uno de éstos, ya que muestra que la felicidad está al alcance de la mano y por no darnos cuenta la buscamos con denuedo sin saber que habita en nosotros. Está en comprender una a una las pequeñas cosas de la existencia misma.

Dr. Nicolás Avilés González

Este poemario es la expresión poética del estado pasional de la poetisa, que muestra descarnadamente la nostalgia de la amante que advierte la noche de la lejanía, la angustia que le produce la sensación de estar vacía, el dolor que le constriñe el corazón al saberse sola y la obsesión por vivir, sentir, tocar, abrazar y besar al amado. Para la amante el tiempo pasa lento, mortecino, como si las horas fueran las losas de la eternidad, de suerte que las agujas del reloj son puñales que abren una herida por la que sangra la ausencia del amado en un borboteo de miedo y angustia. Sin él no hay vida posible, sin él sólo queda el dolor y los recuerdos, sin él se siente sola y moribunda, como en un cementerio en el que las rosas del búcaro que adorna la mesilla de noche se marchitan en cadáveres que no acompañan a su soledad y a sus ansias de amor, sentimientos ambos que devienen por momentos en un estado febril que sólo encuentra alivio en la recreación de la imagen del amado, en una presencia tan real como necesaria. Así que lebusca de un modo obsesivo en sus juegos fantásticos, en los sueños, en el espacio físico cercano y en los elementos vitales fundamentales. Esta búsqueda desesperada, dramática, se convierte en un delirio de amor que despeña a la amante a recrear al amado en la oscuridad y en las arrugas de las sábanas de la cama fría. Siente entonces, ahíta de amor, que el amado es el aire que respira, el tacto de sus manos, el calor de la piel húmeda y la noche que la posee. Y percibe la fragancia de su perfume, ve el abismo inescrutable de sus ojos y toca el anhelado cuerpo del amado, que le corresponde curando los brotes de la pasión con el bálsamo de los besos y las caricias y susurrándole su amor al oído en la voz del silencio.

NICOLÁS ZIMARRO

(...) Resulta doblemente valioso en este su cuarto libro, "Intimo Desorden", descubrir en su poesía una fina sensibilidad, una delicadeza expresiva y la 
irradiación de un espíritu capaz de plasmar situaciones angustiosas y auténticas que, en síntesis, nos sugieren experiencias vividas, ajenas del todo a 
la retórica exterior, que muchos autores emplean como un juego literario, impuesto por ciertas modalidades de la época. 
En su poema "Penúltimo Homenaje a mi Padre", leemos: 

Mi padre, 
poseía la paz 
de tantas noches 
que le cayeron por dentro.

Y este mismo sentimiento onírico lo vemos reflejado en otro de sus poemas "La Muerte del Poeta":

Anochece 
y el luto se introduce por las ventanas 
oscurece el vino 
confunde el pan con la sombra 
y la calle disimula sus angustias.

Y en este trance misterioso, con materiales desvastados de la cantera del intelecto, la poesía de Pablo Cassi, adquiere esa perdurabilidad, testimonio de 
su época.

Y antes de concluir esta carta literaria para un "Intimo Desorden", poema que da título a su obra, descubro en este hablante lírico ese desorden tan 
íntimo que es propio de cada poeta":

La ciudad 
alquila su traje de noche 
confeccionado por modistas 
de dudosa procedencia. 
Una muchacha 
bajo el farol de la esquina 
con su vestido de nylon roto 
da cuerda a su imaginación 
mientras cae de sus manos 
un pañuelo hecho de lágrimas.

Espero no equivocarme con el siguiente libro que me enviará Pablo Cassi, él que será sin duda lo que advertí, al leer sus primeros cuentos.

ALBERT WEISS

El poeta es quizás entre los seres humanos el más singular y extraño, dado a que su ubicación en la sociedad es aventurada como ninguna. Si bien es cierto que el mundo no puede pasarse sin poetas, a su vez no sabe que hacer cuando éstos levantan su voz para decir que también existen. Por ello es difícil saber donde están y mucho más difícil saber si existen. Muchos de ellos, condenados irremediablemente al más absoluto de los olvidos, optan por renunciar a este oficio y sumergirse en la clandestinidad de la poesía. Quizás las tabernas sean sus mejores refugios, allí encuentran al otro yo, al que siempre está dispuesto a dialogar sin más concesiones que una botella de vino y un paquete de cigarrillos. 

Habrá algunos que compartan el andamio de esta vasta realidad, la que por ser muy real se transforma de pronto en algo irreal, y es ahí, donde surge la voz del auténtico poeta, él que conoce las claves de la vida e intenta descifrarlas a través de su propio lenguaje, un conjunto de sensaciones, recuerdos, nostalgias, frustraciones, sueños y esperanzas, éstas últimas situadas en el límite mismo entre la cordura y el vacío existencial. 

Esta aproximación a lo que denomino, "Poeta", constituye una apreciación subjetiva, una más entre las tantas que se han proclamado a través de la historia de la literatura. En vista de lo anterior es difícil situar a este individuo en un canon establecido. Ellos, a diferencia de los demás mortales, viven dos veces la misma vida, por lo tanto su sufrimiento es mayor que cualquier otro. Esta apreciación que bien podría catalogarse de pesimista, no es más que el fiel reflejo de una sociedad, la que ha perdido la capacidad de asombrarse con aquellas cosas sencillas. Hoy tal vez más que nunca los habitantes de este planeta, necesiten de la poesía tanto más como de aquel mendrugo que un pordiosero reclama en la calle. 

Valgan estas palabras de pobreza solemne y de humana fragilidad para referirme a este libro de Pablo Cassi, "Para un Peregrino Distante", él que de alguna manera cierta o incierta, nos permite avizorar que el mundo que recrea el autor, no es el mejor de los mundos. Pero la poesía tiene la virtud de ser recepcionada bajo indistintas ópticas, las que no siempre son coincidentes. De ahí que el lector tenga la última palabra para calificar este primer peregrinaje de Pablo Cassi por los infinitos senderos del sentimiento y del lenguaje. Sin duda alguna que nadie podrá maravillarse con estos poemas pero de igual manera, nadie se sentirá defraudado, ni menos traicionado con el mensaje que este vate consigna en esta edición artesanal, que bien nos habla del Taller Literario Andamio del Ministerio de Obras Públicas, él que tal vez sin proponérselo, y en hora buen, a dado un espacio importante a las obras literarias. 


Braulio Arenas 
Grupo Fuego de la Poesía

Advertimos en la poesía de Pablo Cassi una voz segura e intransferible. La forma coloquial y epigramática de estas breves composiciones líricas, se inscribe dentro de una corriente importante de la poesía contemporánea, aquella cercana a la antipoesía y a la desnudez metafórica, entendida ésta no como una carencia de símbolos poéticos, sin lo cual la poesía se esfuma y desaparece. sino como la ausencia de metáforas neobarrocas y ornamentales. 

La temática esencial de "Secreta Convicción' se orienta por rutas de trascendencia y de honda inquietud metafísica. La fugacidad del hombre acosado por calendarios y relojes, símbolos de la precariedad de la existencia, constituye el motivo central de numerosos poemas. 

"Envejeció de tanto esperar en un reloj imaginario 
la hora más silenciosa, más profunda". 
('La Hora mas Silenciosa")

El tiempo inexorable corroe con su angustia y troncha futuras primaveras, sin posibles equívocos ni ilusorios sueños. 

"La unánime decisión del calendario no es señal equivocada". 

Este conjunto poético exhibe un sentimiento entrañable de soledad y desamparo existenciales. De ahí la visión de un mundo espectral e inasible. 

"La última sonrisa que se hospedó en sus huesos". 

La oscura presencia de la muerte adquiere connotaciones dramáticas. 

"Esta noche 
cuando el viento Oeste 
traía la paz 
en un telegrama 
le cortaron el corazón 
con una ráfaga 
al último hombre del año". 
('El Ultimo Hombre del Año"). 

La ironía es un rasgo característico de 'Secreta Convicción" que Pablo Cassi sabe manejar hábilmente sin caer en exagerados prosaísmos o expresiones de mal gusto.

"Tú 
conjugas el verbo amar 
con el vestido 
medio puesto, 
besas 
a pulcros ejecutivos 
que te secuestran 
los fines de semana. 
Vives inventándote 
difíciles sonrisas 
& consigues en una copa 
olvidos casi perfectos". 
("Vives Inventándote"). 

Poesía directa y agresiva, que intenta desenmascarar los falsos valores del mundo contemporáneo. Versos que sueñan un universo "que se prolongue / por cuatro largas primaveras", y que anhelan rescatar la imagen del hombre que "han expulsado del paraíso". 

Poemario que dejará un verso en muchos seres que lo lean y será tal vez una inolvidable "cosecha de palabras".

MATÍAS RAFIDE

La muestra de poesía de Jorge Castillo Fan, "Antología Esencial", la he denominado así no en sólo en el sentido que sea -a nuestro juicio- lo más representativo extraído de sus obras más conocidas, sino que es esencial para el lector de poesía hispanoamericana contemporánea, es decir, que se trata de una selección que, siendo sumaria, refleja la calidad literaria excepcional del autor peruano, una de las voces más relevantes de la poesía escrita en lengua hispana.

MIGUEL ÁNGEL ZALDÍVAR

María Victoria escribe a partir del repentino fallecimiento de sus abuelos, Zoraida y Cayetano, para restaurar la palabra en donde la palabra está herida en su ser.

Su poesía obra como un llamamiento: es la ausencia o la herida que deja en nosotros la muerte, es la muerte que conlleva decir el propio nacimiento.

Este trabajo es un reconocimiento para toda la comunidad poética existente en el país, esos seres cuyo principal reto es romper con la hoja en blanco, y lanzarse a dominarla; expandir su creatividad, su talento, sus propias miserias, sus demonios, en la búsqueda de la frase correcta, de la oración exacta, y que comparten entre sí, una sola cosa: el arriesgarse a ser leídos.

Adán Echeverría

Escribir la introducción a cualquier texto literario obliga a la recomendación de su lectura, análisis y disfrute. Pero en el caso del Mapa Poético, la recomendación se transforma en una calle sin salida. Primer motivo: quienes asumimos la misión de escribir la bienvenida al volumen correspondiente a cada uno de nuestros estados natales, somos jueces y parte. Es decir, compartimos la emoción de la lectura, tanto como la de ser una de las muchas voces compendiadas en este proyecto. Segundo motivo: la naturaleza de este mapa es en sí misma una invitación a la lectura por placer, pues sus líneas fronterizas no dividen, sino hermanan.
No estamos ante una antología, aunque a su modo bien podría serlo; muchos de los poetas aquí publicados seleccionaron y enviaron a los compiladores lo mejor de su producción inédita; y algunos más, son jóvenes valores hallados en los medios electrónicos, sin publicaciones formales, pero protagonistas de una labor digna de ser tomada en cuenta. Al no tratarse de un trabajo estrictamente antológico, podemos asumir que lo que encontraremos no ha sido pasado bajo la lupa subjetiva de un crítico, el criterio de lectura será tan libre como puedan serlo nuestros ojos. Lo importante no será etiquetar lo que es bueno o malo, sino ubicarnos en el mapa, leernos en los otros.
La utilidad de este compendio poético es múltiple. Los escritores podremos acercarnos a la obra de autores de toda la república, aún de nuestra región, que quizá nos eran desconocidos. Los críticos tendrán una vasta fuente de estudio de la poesía mexicana contemporánea. Editores y promotores reconocerán la importancia de la publicación y divulgación de la poesía joven y, esperamos, imitarán el esfuerzo aquí reflejado.
El Distrito Federal es la entidad con mayor número de poetas enfilados en este muestrario. Hecho que hace patente la necesidad de descentralización de la literatura nacional y nos compromete a ampliar nuestra mirada y dirigirla hacia todas las orientaciones posibles.
En el presente volumen, escritores noveles recorren el mapa de la mano de autores con trayectoria. Ganadores de premios y becas comparten un espacio editorial con plumas inéditas o poco conocidas; fenómeno poco frecuente, aunque necesario. Muy distintas propuestas, así como niveles de factura, nutren el territorio poético de la capital del país. Lenguajes heredados de la tradición y las vanguardias del siglo XX conviven con las construcciones frescas y depuradas, sin imágenes complejas, de los poetas incipientes. Diversos ritmos, espejos de las lecturas personales, componen una pieza ecléctica con estancias tónicas para todos los oídos y todas las memorias. La ciudad, sus habitantes, demonios, escenarios, su velocidad y sus sonidos son, sin duda, temas recurrentes. Pero también están las postales de otros paisajes, el amor, la conciencia social, soledad, sexo, muerte, filosofía, sueño, la poesía misma y hasta el alcohol.
Todo esto es posible encontrarlo en los otros volúmenes, pero el enfoque particular que nos confiere una geografía común podrá ser percibido por quienes tengan la oportunidad del leer el mapa completo. Una tarea ardua, pero jamás aburrida.
Les dejo, entonces, en brazos de noventa autores más seis, menores de cincuenta años, que, desde la enorme Ciudad de México, nos invitan a celebrar la poesía y disfrutar de su lectura.

Ibet Cázares.

Adán Echeverría, compilador de ésta antología, menciona lo siguiente: "Este trabajo es un reconocimiento para toda la comunidad poética existente en el país, para quienes el principal reto es romper con la hoja en blanco y lanzarse a dominarla, expandir su creatividad, su talento, sus propias miserias, sus propios demonios, en la búsqueda de la frase correcta, de la oración exacta; y que comparten entre sí una sola cosa: el riesgo de ser leídos".
A primera vista ésta es una muestra de las ideas y las distintas estéticas (no de la regionalización) del mapa poético nacional. Es un conjunto de obras que continúan un proceso constante de reinvención. Del silencio a la luz: Mapa poético de México: Poetas nacidos a partir de 1960 hasta 1989.
Se incluye aquí una selección de 7 poetas nacidos o radicados en el estado de Durango. La mayoría de éstos pertenecen a la década de los sesentas: Petronilo Amaya, Gerardo Campillo Llano, Jaime Muñoz Vargas, Salvador Ortiz y Luis Carlos Quiñones. Ismael Lares y Miguel Ángel Ortiz pertenecientes a finales de la década de los setentas y principios de los ochentas respectivamente.
Los poetas mencionados dentro éste Mapa Poético de México (Durango) son poetas que discurren por itinerarios varios y que se presentan de maneras distintas, pero compartiendo características símiles en su visión de poesía. Las antologías, por último, deben ser reflexiones y diálogos que transformen a la poesía en una plataforma que contribuya a combatir el silencio por medio de su luz.

Ismael Lares.

I
Siempre he considerado que hablar del término "antología" es un tanto difícil.
Si aceptamos la definición propuesta por la Real Academia Española como una "colección de piezas escogidas de literatura" me hace pensar ¿cuáles son los parámetros para incluir o dejar fuera esas colecciones de piezas escogidas de literatura? Claro me queda considerar que los antologadores necesitan delimitar las piezas, en este caso "Mapa Poético de México. Poetas nacidos en el periodo 1960-1989" se enfoca únicamente en aquellos poetas nacidos en esos casi treinta años, y claro me queda que la labor de hacer una selección de las mismas es una ardua tarea.
No profundizaré, a ciencia cierta, en los problemas existenciales que siempre me ha causado la palabra "antología", sin embargo es imposible no pensar en la importancia y la responsabilidad tan grande que conlleva realizar una antología para asiduos compradores que procuramos adquirir ejemplares de ellas en ciudades o países lejanos para conocer lo que se produce ahí, y saber que el riesgo es muy grande, porque grande es el mundo poético y, al igual que cualquier mapa geográfico, siempre quedan lugares que no se alcanzan a ver, porque siempre quedan poetas fuera, porque siempre hay quienes trabajan bajo el suelo y sus poemas no están incluidos en dicho trabajo. O hay quienes, por mera causalidad, no están aquí.

II
Muchas antologías de poetas se han hecho en Jalisco. Imposible no recordar aquella intitulada "Poesía viva de Jalisco" en la cual fueron reunidas 142 voces que fueron seleccionadas de un total de más de 250. Muchos investigadores han realizado, incluso, diccionarios de escritores vivos de Jalisco. Sin embargo en todas han quedado poetas fuera de dichos proyectos, poetas que reunían los "requisitos".

III
Después de revisar con minuciosidad este mapa poético de Jalisco no pude evitar descubrir que faltaban algunos nombres como Abril Medina, Patricia Mata, Marco Antonio Gabriel García, Carlos Cortés, Angélica Maciel, Paula Zulaica, Elizabeth Salgado, Alejandro Zapa, Angélica Pérez, Felipe Ponce, Fernando Toriz, Juan Cervantes, Lucía Rostro, Fernando Carrera, por nombrar algunos, que podrían estar, pero no están aquí, luego algunos de ellos se encuentran en otras antologías y entonces hay otras ausencias. 
Por ello es que considero que una antología no debe ser la única guía de lectura, sino un eslabón que nos lleve a la búsqueda de otras cadenas para encontrar otros poetas, porque toda antología apenas puede ser un ligero trazo de la Realidad. Hay voces como la de Adriana Díaz Enciso que la geografía nos delimita, sin embargo su voz alcanzó a llegar a este mapa. Hay voces como las de Melissa Nungaray en donde el tiempo nos delimita, pero que vale la pena revisar.
Estoy segura que muchos se llevarán una grata sorpresa al leer el Mapa Poético de Jalisco, pero más sorpresa se llevarán si se atreven a indagar sobre los poetas que no se incluyen aquí, porque dicen que en Jalisco se encuentran poetas cuando levantas una piedra. Y, como dicen, para muestra basta un botón. O, mejor dicho, una palabra.

IV
Podemos considerar este "Mapa Poético de México" como la silueta de las voces que por causalidad se encuentran aquí y, a partir de esas lecturas, considerar la ardua indagación de otros autores que se reflejan en sus voces porque ellos son las principales fuentes para conocer a otros que están trabajando poéticamente.

V
Difícil es hablar de algo común en la poesía tapatía. Hay diversidad de temas y una infinidad de voces poéticas. Y en ese sentido la pluralidad de sonidos no debe escatimar la posibilidad de encontrar otra nueva. En este conglomerado de voces encontraremos el eco de nuestra ciudad y su rutina; la oscuridad y la falsedad de un posible amor; cigarros y botellas; el amor y la esperanza.

VI
No podría dejar fuera lo que alguna vez advirtieron Dante Medina, Jorge Souza y Raúl Bañuelos al decir que la poesía de Jalisco puede "compararse al fuego de una chimenea que arde con llamas desiguales pero alimentando una misma hoguera; o quizás a un lago agitado en donde las ondas proceden de innumerables sitios, y las crestas y los valles de las olas se encuentran en constante movimiento". Nuestra poesía es el mismo fuego que se convierte en el mismo tono del agua, un caleidoscopio de emociones y nostalgia que nos atrevemos a suspender en la palabra.

VII
Quizá es la intención de toda antología, reunir en sus hojas algo que se me ocurre llamar fotosema, imprimir con luz las palabras y sus posibles significados. Mantener un diálogo con los autores que nos presentan y recorrer la historia de quien nos interese conocer. Entremos pues, a este enfrentamiento de silencios y de luz; de imágenes y de sinsentidos, de sonidos pausados y de movimientos estridentes. Porque a los 52 poetas de Jalisco reunidos aquí nos une el mismo sentido de pertenencia, el deseo de ser permanentes: es ahí en donde se origina nuestro canto, la diversidad de posturas, todo lo que se edifica cuando escandimos nuestros sueños.

Leticia Cortés.

Dentro de la complejidad del panorama poético nacional predomina la dispersión. Una muestra de ello son las crecientes divisiones en torno a su regionalización. La poesía no reconoce divisiones, ni los poetas deben ser valorados por condiciones demográficas, sería absurdo. Es necesario decir que una antología nacional puede permitirnos establecer diferencias en cuanto a estética, pero sin alejarnos de los principios fundamentales de la poesía.

El lenguaje poético se manifiesta de manera distinta y en diversos entornos como es el caso de ésta muestra. No se trata de buscar la claridad, sino de iluminar la visión frente a esta niebla de enfrentamientos poéticos. La realidad nacional es similar en cuanto a todos sus problemas. Por eso debemos dar sentido a la reflexión, pues allí está el punto de partida. No se deben delimitar las voces como si fueran fronteras políticas, tal vez pudiéramos establecer diferencias, pero rescatando el verdadero fin de la creación: imagen de la vida.

La intervención del deseo de la creación literaria no es un dato nebuloso, abstracto, sino que es una de las raras nociones que permiten iluminar una forma de producción. Esto lo vio con claridad René Char quien en uno de sus aforismos define al poema como "el amor realizado por el deseo que ha seguido siendo deseo".

"Al ojo de un cormorán" de Miriam Fuentes acuerda en lo medular con esta poética en tanto el texto está vertebrado por la tensión amorosa. Edificado en los límites de un eros harapiento, anhelante, la búsqueda del objeto amado se invierte a la hora del encuentro: "Sin herirlo lo dejo /insomne /con la experiencia y el mañana/Me voy porque cada día es uno/creyendo de antemano/que las presencias difícilmente cicatricen/al ausente/ y que de ningún modo renunciaré al ojo de un cormorán". En toda escritura de género debemos rastrear la "doble voz". Hay una voz en sordina que deja en la superficie textual las marcas de un sujeto que disuelve una identidad social sobrecargada de mandatos y deberes para proyectarse en otra distinta que es básicamente reformulación (Alicia Genovese). Como mujer Fuentes torsiona el discurso dominante y hace de la representación un campo de batalla donde se enfrentan dos cosmovisiones la femenina y la masculina. Situacional iconoclasta, la mano que se niega a escribir con una pluma-pene inscribe un palimpsesto que brota de ese "continente negro" que es "Instintivo movimiento/hendidura y preguntas/tantas preguntas por desesperar/¡Urdir interrogantes es cosa mía/".

Este extenso poema que por ciertas marcas parece responder al género epistolar nos recuerda la simetría pasional de la monja portuguesa. Pura tensión de flecha lanzada hacia un ausente, paradójicamente revierte su tropismo en boomerang: la búsqueda del amado invierte su dirección y deviene introspección, desnudamiento de un yo enamorado, inquisitivo, polémico.

La poesía en Hispanoamérica ha tenido en casi todo su desarrollo la marca del grito, la marca de la urgencia, este llamado fue un pedido de atención al lector, al hombre hispanoamericano, para que abra sus oídos y su corazón a una realidad que no debe dominarlo. Quienes hemos vivido en este Norte argentino, donde campea la resignación, difícilmente podamos escribir una poesía ajena a ese grito.

Miriam Fuentes en este poemario no solo demuestra que se hizo cargo de las tensiones humanas, sino que además ha encontrado un modo original e intenso de decirlo.

Este poemario puede definirse como poesía de la cornisa, aquí los hombres y las mujeres aparecen como eternos equilibristas en el circo del mundo, acosados por la contingencia en un mundo injusto y decadente. El referente es un espacio de la realidad con pájaros, árboles y mangos, que se presentan en el poema a través de imágenes caóticas y en mutaciones permanentes.

La palabra, entonces es el reflector que desnuda los detalles, construye, colores y sonidos que se apiadan del mundo, lo comprenden, lo aman y lo padecen.

Gatos, palomas y lagartos pueblan este libro, con su valor de referencia, pero también como símbolos del movimiento, de la vida y del deseo. Ratas, mariposas y moscas son también elementos de imágenes que sorprenden y de una adjetivación para nada convencional. La voluptuosidad y el hedonismo que saturan el texto no alcanzan para ocultar la enorme soledad del yo, que ve al otro como una angustia que acosa y como una realidad insaciable.

Miriam Fuentes nos sorprende con este poemario, escrito a impulsos de una necesidad perentoria de participar a los lectores la intensidad de los latidos de su corazón, la grandeza de su amor a la madre tierra, la infinita alegría por la suerte de vivir, la esperanza en la magnanimidad de los seres humanos y su visión íntima y entrañable del mundo. Según la propia autora, el libro no satisface todas sus perspectivas de logro poético. Responde a su espíritu femenino de urgencias, razón por la cual puede parecer irregular y carente de mordiente, como si le faltara dar un giro o alcanzar el punto justo de retorcimiento y corrupción. Esta apreciación de la poetisa es consecuencia de su eterno descontento con los resultados de su actividad creativa, del obsesivo afán de autocorrección, pero no se corresponde con el tenor de los treinta y cinco poemas que componen la obra. Porque los textos que Miriam Fuentes presenta en "La giralda" son genuinos diamantes poéticos de muchos quilates. Traslucen sinceridad y espontaneidad a raudales. Y son la muestra de una poética auténtica y peculiar. "Soy una gota original" afirma la autora en el último verso del poema "El temporal". Y, también en el último verso del poema "De ver tantos sombreros", añade: "Agua fresca para los que caminan". Indudablemente lo es. Aún así, reconoce que afrontó su tarea creadora entrando con la boca seca al dominio del viento, poniendo de manifiesto la dificultad que entraña abordar la realidad de la propia conciencia. Con todo, lo cierto es que su fuerza interior venció los embates del ciclón de las pulsiones, el temor y la incertidumbre, y manó un torrente de extraordinarios versos. A veces son bocanadas de espanto; a veces, pálpitos de libertad sin mesura; a veces, globos de colores pinchados; a veces, alas rotas de mariposa; otras veces, estertores de una muñeca de trapo abandonada en una esquina del desván; otras, súplicas al viento; otras, brindis al fuego de los besos futuribles; otras, apretones de manos; otras, esquelas de sueños agostados; y otras, lágrimas vertidas a un papel en blanco. En fin, Miriam Fuentes ha cumplido su palabra, y ha sido esa giralda que nos ha mordido los corazones desde el suburbio, tal y como prometía en los versos del poema "De ver tantos sombreros".

Esta mujer de ojos lejanos llegó desde el asfalto y se quedó en Vespucio, el pueblito del tártago. Puso su corazón sobre la tierra.
Y renació "preñada del verdor del abismo, del polen del follaje" cantando su amorosa canción.
No hay nada frío en ella, nada superficial. Es una poesía que se derrama como un jugo de granadas en los labios, como rocío o sangre," sol madurando el monte", intensa, visceral.
El suyo es un lenguaje carnal y desgarrado, "empapado del sexo de, sudado de aguacero, saliva conjugando los huecos y los labios".
Y "para que lo poco no nos baste" juega con palabras "parecidas a cuchillos brillantes".
Es un torso desnudo de mujer interpelándonos, con "una mirada inquisidora y ardida, furiosa de pena hasta la realidad".
Nos habla de mujeres en la noche, con su "alcancía silenciosa de entrepierna", de Pedro, el ferroviario, el que" guardó recuerdos en su saco como boletos inauditos que vendió" y ahora tiembla, con un telegrama de despido entre las manos.
Ha "perdido detrás del cementerio ser heraldo d peligrosas inmundicias". Le pesa "lo que duele en los zapatos de otros".
Usa de la severidad y la ironía, pero sus ojos como los de los ciegos, mas que mirar parecen ir palpando a los seres. Sabe que detrás de las mascaras habita la materia dolorida, despojos, cielos rotos, huecos de soledad. Y ella les va lamiendo la tristeza como un perro a su dueño.
Pero también celebra "las voces de la aurora", los fuegos que se encienden en los ojos de un niño, la rama desnuda del lapacho en flor.
Canta "la condena de esta maravilla". 
Camina con "la piel húmeda como un rezo... tapándose los dientes para cuidar los besos", alucinada y tierna.

"Cuando cumpla mil años" es la crónica poética del peregrinaje de un hombre que antes de ser hombre, fue un árbol. Un árbol bueno, donde amanecían primaveras y atardecían esperanzas. Un árbol firme, empeñado en colmar el hambre de los niños, en servir de cobijo a los pajarillos, en guardar los secretos de los amantes, en precipitar lluvias de lágrimas salvíficas, en promocionar jardines de libertad y en ulular sueños. Un árbol de excelente maderal colmado de fantasías que le tenía miedo al leñador y al fuego. 

Pero un buen día éstos llegaron: el leñador taló todos los árboles del bosque y se llevó sus troncos; al tiempo que el fuego quemó los matorrales, las hojas y el ramaje. De este modo, el árbol se hizo leña; luego cenizas; y definitivamente hombre.

Y ese hombre nació en una ciudad, en un cementerio de hastío y soledad habitado por otros hombres, todos ellos pululando por las calles, todos ellos a la deriva, todos ellos con el corazón acartonado de egoísmo y egolatría, todos ellos procreadores de una estirpe de hurones y sanguijuelas.

El hombre, que antes fue árbol bueno y firme y temía al leñador y al fuego, era un hombre justo y cabal, amante de la naturaleza, compañero de sus iguales, merodeador de corazones, cantor de todas las lenguas, navegante de madrugadas, adalid de la paz, defensor de utopías y constructor de sueños inmortales.

Así que, viendo que en la ciudad imperaban el hacha del leñador y el fuego- convertidos ahora en violencia poliforme y miseria humana-, cuando cumplió mil años, decidió irse a vivir al mar.

Como antes de ser hombre fue árbol, quizá por simpatía natural, o tal vez por prevención, germinó en el fondo marino con condición de coral. Allí, fue testigo de historias de amor entre viejos lobos de mar y bellas sirenas, de cientos de naufragios, de no pocas peripecias de piratas y corsarios, del sosiego en el fondo de las aguas y de la agonía de los peces atrapados en las redes de los pescadores. Allí conoció la majestuosidad del albatros, la fortaleza de los vientos, las aventuras de las olas, las confidencias de la luna y las tonadas de las nereidas.

El tiempo, inexorable, transcurrió en siglos. Y el coral devino nuevamente en hombre. En hombre in-corporado que regresó a la tierra, pero no a la tierra mezquina y tétrica de los antepasados, sino a una tierra de promisión. Imaginó este hombre galaxias de amor libre, un planeta sin abismos ni alimañas y ciudades insólitas donde desplegar bulevares de concordia y calles que condujeran a los despeñaderos, para los jinetes del Apocalipsis. Se erigió en guerrero de la vida, conversó con las estrellas, dialogó con sus congéneres, participó del vuelo de las aves y se hizo amigo del águila y del cóndor, de quienes aprendió la altura del amor. Finalmente, fue a habitar una ciudad inventada por las golondrinas. Y se hizo sombra en la choza y la reja del individuo humano y se transmutó en canción para la vida.

Hoy, aunque su cabaña se ubique al borde de un barranco por el que a veces se precipita hacia el vacío y aunque, otras tantas, sienta la tristeza de la hoguera, sabe que su destino es ser madera, un humilde poeta.

ADRIÁN ARZA

Cuatro rosas y un sueño de Ana Herrera Barba se presenta como un enfoque histórico, un trasfondo de exotismo, cuatro mujeres de otro tiempo, cuatro rosas 
que nos hablan desde el ayer para hacernos reflexionar sobre el presente más cercano.

Cuatro mujeres que sintieron las mismas inquietudes de la mujer actual, que se entregaron a sus sueños y al amor, y que padecieron el dolor sobre sus almas 
de violeta. La primera es la voz de una mujer del antiguo Egipto, que dejó grabada su historia sobre una losa de piedra que se encuentra en el Museo 
Británico de Londres. La segunda, Hipatia, la última directora de la Biblioteca de Alejandría, primera filósofa y científica de occidente, lapidada en su 
ciudad en el 415 d.C. Walläda, la última princesa del califato Omeya de la ciudad de Córdoba; vivió en el siglo XI, y fue una mujer rebelde y una excelente 
poeta. Mumtaz Mahal, la mujer que inspiró la construcción del Taj Mahal, esa maravilla de la arquitectura moderna que Tagore bautizó como "Una lágrima en 
la mejilla del tiempo".

Cuatro relatos y cuatro poemas que nos desvelan las voces de ayer que no son sino las voces de hoy y las voces del mañana.

"El árbol de la memoria" es un conjunto de poemas producto de distintas épocas en publicaciones de diferentes libros de Guillermo Ibáñez, quien afirma: "La edición conforma un corpus y es definitiva, después de sucesivas correcciones, a mi entender necesarias, para esta antología que en cierta forma es, en su totalidad, mi trabajo poético hasta el año 2000". La reunión de poemas de las distintas etapas de la obra de Guillermo Ibáñez se hacía necesaria. En las condiciones de conocimiento por parte de los lectores de poesía en Argentina, nada más proclive al error que conocer a un poeta por sólo un libro o un par de libros. Más aún en el caso de Ibáñez, que se trata de un poeta complejo cuya obra posee un desarrollo no lineal, caracterizado por recurrencias y superposiciones; que además, la suya está parcialmente dispersa en publicaciones y volúmenes colectivos.
Por su fecha y lugar de nacimiento, nuestro poeta debió haberse adherido a los parámetros del creacionismo o, mejor aún, del cotidianismo. Con el primer nombre hemos preferido designar a la corriente que suele identificarse como "Segunda generación vanguardista", o "Vanguardia surrealista". Pero nuestro apelativo connota inequívocamente para mayor claridad la relación de estos poetas con las teorías de Vicente Huidobro: "no cantéis la rosa, poetas/hacedla florecer en el poema", que sirvieron de principio rector para la corriente y la distinguieron del vanguardismo primigenio, que otorgaba a la poesía un papel más restringidamente celebratorio.
G. Ibáñez nace en Rosario en 1949. Al llegar a la adolescencia, cuando empiezan a dársele los primeros poemas, termina de florecer el creacionismo rosarino, ciertamente algo atrasado con relación a movimientos porteños como el invencionismo de Edgar Bayley o su posterior decantación en los poetas de "Poesía Buenos Aires", liderados por Raúl Gustavo Aguirre. Para entonces, autores como Aldo Oliva, Alberto Carlos Vila Ortiz, Rafael Ielpi, Elena Siró o Armando Raúl Santillán -precedidos de Rubén Sevlever, que hace de nexo con la sensibilidad anterior, la de la Generación del 40-, ya están publicando revistas literarias, y dando a conocer sus primeros libros.
Pero simultáneamente otros poetas, de la misma o parecida edad que él, circulan por bares y foros culturales de la ciudad, defendiendo una sensibilidad distinta: si los anteriores se han beneficiado con la democratización cultural aportada por la bonanza económica que aprovechan los sectores medios y humildes, éstos viven esa democratización como natural, y proyectan los valores antes privativos del libro a los géneros despreciados de la historieta, la canción, la novela policial y de ciencia-ficción; y odian el tuteo en la narrativa (aunque difícilmente se animarán a suprimirlo de la poesía). La corriente que van a generar ha recibido nombres como “cotidianismo”, “coloquialismo” o “generación del70”

Eduardo D´Anna

En la misma medida en que lo han hecho otros autores, la obra de Ibáñez, todavía sigue situándose -como la de tantos poetas rosarinos- en ese lugar lateral que caracteriza a los textos «inapropiables», para los aparatos culturales dominantes. Pero esa marginalidad (o excentricidad, o incluso excesividad), respecto de tales aparatos, tal vez sea el lugar que mejor le cuadre a una poesía como de este poeta, puesto que su lenguaje y los asuntos que trata, difícilmente podrían ser recuperados por una perspectiva que consagra lo obvio y lo común".

Roberto Retamoso

"Voces de la palabra" lugar de aserción, de la interrogación o interrogación de la aserción misma. "Sombras sonoras" metáfora que circula como un río (siempre el mismo, siempre otro), que se baña en su propio reflejo creyendo encontrar al Padre, al otro, a Narciso...
Búsqueda de un tiempo primigenio edénico donde "El hombre ha descubierto/la voz que lo hermana/escucha desde lejos/entiende la distancia/El hombre es todo voces/silencio, todo alma".
Pero también la palabra desprendida como de un pentagrama cósmico "Miro/desaparece Maya/pero lo sólo visto/no ilumina el centro"; la caída, las infinitas imágenes especulares siempre otras, distintas de esa letra original olvidada, enterrada en su propio lecho, la mirada, mirada desde otra orilla, la caída, la enajenación de la propia subjetividad. "El uno/ ido en otredad /no se alcanza/ nunca más"
La grieta como marca original de la caída, brecha por donde transitarán las palabras una detrás de otra, reflejo del reflejo como gesto agónico en su doble acepción: tensión del hombre con su palabra y como vano intento de una (descentrada) esperanza: "esa imagen/estimado Freud/ es insuperable/. Sin espejos y despojo/ todo el inútil/."
Pensar la palabra como cuerpo viviente, como zoon de acuerdo a la concepción platónica: La palabra como pulso, ritmo del universo, floresta y floración: arbórea escritura donde la dicho está siempre por decirse y siempre por olvidarse. Poesía de soledad o de comunión, al decir de Octavio Paz: ¿dónde el límite del gesto y el acto del poema?. Palabra casi secreta, casi inaudible, madre de todas las palabras que trama su propia figura que forma una constelación donde la voz íntima se esparce en ecos y resonancia donde la voz se multiplica hasta parecerse a sí misma pero esta vez dicha por el otro.
Comulgar con el paisaje es en "Sombras sonoras", comulgar con la palabra, asistir desde la palabra al nacimiento del poema, contraponer el devenir "humano, demasiado humano", al misterio de la rosa "que esta en su eternidad y no en sus palabras" como dirá Borges.
"Las voces de la palabra- Sombras sonoras", recorrido de la mirada, de la voz serpenteando en cada poema como variación, como fragmento de una misma partitura; sombra chinesca que se agiganta y empequeñece, pero siempre sombra de la sonoridad, imagen de la sombra que asombra en voces palabras.

Ana Victoria Lovell

En este libro, en su profunda poesía, se nos describe en imágenes bellísimas o trágicas la vida del habitante natural de las tierras fueguinas: sus representaciones, sus creencias, sus formas de ver la realidad. No sólo es un libro para salir de nuestro mundo e intentar entrar en el de ellos, es un libro en busca de la sabiduría de quienes vivían tan pegados a la naturaleza y a sus apariciones sin huellas. Un aporte a la comprensión de todos esos mundos que fueron desapareciendo a medida que llegaba el hombre blanco.

Osvaldo Bayer


Un libro que le habla al pensamiento y al corazón de sus lectores. Un libro a contracorriente de las modas más urbanas de la pequeña escena poética. La construcción de un mundo y la fidelidad de quien lo escucha. Homenaje de un poeta cuya alma oye el alma grande de un pueblo al que persigue y ensueña. Un indio del norte, diría Lola Kiepja, a quien sus cantos han llegado, y lo acompañan en la dulce intemperie de la poesía.

Diana Bellessi

Ausencia, nostalgia, fuga, búsqueda de la silueta en fuga son las obsesiones constantes en Ariel Montoya. En él hay mucha fuga personal hacia el cuerpo habitado por una muchacha, hacia las convulsionadas horas del mundo que no se ha negado vivir y sufrir, hacia su reencuentro fatal con los perdidos seres de la ciudad corrupta, hacia su ausente corazón de joven que aspira a la perennidad. 

Perfil de la hoguera confirma ese afán de fuga, ese sentimiento de estar y no estar, no desde el exilio físico geográfico, sino desde el retorno a la patria, el retorno gozoso donde se construirán las torres del futuro sobre los escombros sollozantes de la malversada época de la posguerra. El poeta reflexiona con distanciada serenidad sobre el exilio y lleva a cabo una indagación sobre la naturaleza o la peculiaridad del tiempo vivido, indagación con la siempre difícil y compleja relación amorosa. El tiempo vivido (pasado, presente y futuro) es inseparable de la experiencia amorosa, de la búsqueda, concreción y descripción del exilio. "No nos habita ningún presente puro", exclama desamparado el poeta escrutador de la hoguera, es decir, del fuego sagrado que anima y alucina su vida escondida entre el reclamo inútil de pasado y futuro; reclamo, palpitación que no hace exigir un presente puro,, el instante supremamente vivido, el presente perpetuo.

Estos poemas son pasajes de la vida que, otorga dones y los quita, y que con sus palpitaciones eufóricas, nos lleva desde el presente a los recuerdos, desde la felicidad a la desazón, de la diversión al horror de las tragedias y las guerras, de la seguridad que otorga la madre y la familia a la soledad, el desamparo y hasta el desarraigo.

Alguien dijo que la poesía no es de quien la escribe, sino de quien la necesita. Por eso fluyen mis temas y, hoy, deambulan entre la naturaleza perfecta y generosa que prodiga sus racimos y las ruinas de nombres manchados de humedad en las viejas fotografías. ¡Vayan entonces estos poemas helados pero con el fuego de mis llamas!

Teresa Palazzo

Mis palabras, que no construyen puentes ni estrellas y que a menudo crepitan como fuego cogido de los rescoldos duros del corazón, mis palabras, digo, hoy las pongo con cuidado aquí, en estos versos, como sin luz ni tiempo apenas, dudando casi; poco hay que ofrecer desde el don no habido, desde esta aciaga intemperie de los hombres que vamos con las manos en alto, preguntando sólo; (una fragilidad pavorosa me toca
cuando insisto en qué he de dar sino besos obscenos al aire y el silencio aprieta y hace daño con su honda inteligencia, honda y desmedida)
... oh amigos, aunque tristes y pocas, unid, juntad mis palabras, tal vez algún sueño pueda hacerse con ellas.

Orión de Panthoseas

Orión de Panthoseas nos explica con estas palabras la esencia de este poemario, así como el propósito que le ha impulsado a escribirlo: "A estas alturas, debería ser capaz de escribir un poema bellísimo, apto para extractar en trozos puros tantos años, juntarlos, hacer que puedan mirarse mutuamente y después resucitarlos y vueltos a resucitar para poder llevarlos conscientes a la mesa de sol;pero no sé; uno siempre espera algo extraño, un manjar, por ejemplo, algo divino y proveniente del sur, de más allá, agua y fuego puros, más aún; porque fatigados los pies y doblegados los brazos, de entre la escasísima costra arrancada a la tierra y al corazón, siempre esperamos haber salvado y fundido entre sí una perla de mar y un destello del cielo; hilo a hilo y pieza a pieza debería ser capaz de instruir un mínimo flujo de sangre viva,
un exiguo asombro vivo, o tal vez menos, quizás sólo articular el viento, la luz, la levedad y fe con que pudieran traer a ser algo unas palabras; y es que, créanme, lograr esto no es fácil; bien lo saben quienes vinieron de lejos y tuvieron que contener sus alientos frente a brutales lapsus de memoria; y mejor aun lo saben los que ni siquiera murieron porque sus vidas no estaban perseguidas y al marcharse dejaron sus ropas,
sus sillas y zapatos como trasuntos propios de un don que todavía continúa fascinando a los mortales; en fin, debería poder construir una flor siquiera y dársela; sería una forma hermosa de amarles, de mostrarles mi parte, bien que nimia, en aquella belleza que aún se me oculta y, con ello, se niega sin más a aceptarme y recibirme."

"Arquitecturas" es la prueba de que Orión de Panthoseas ha logrado su objetivo de articular la luz, el viento, las estrellas, la mar y toda suerte de sentimientos en un crisol de palabras en carne viva y de versos en plena candescencia.

ADRIÁN ARZA

En este andar a vueltas con/por el mundo, Manuel Quiroga Clérigo se nos presenta como un indómito viajero, observador de las más variopintas realidades y coleccionista de rosas de texturas inverosímiles, rosas que nos brinda en poemas desgajados en pétalos de lluvia ácida. Así nos ofrece "la inalcanzable rosa, la rosa de aluminio con su color de sangre, la rosa de Belgrado (de un jardín en penumbra)", la rosa de cualquier calle, "la rosa natural del Rockefeller Center" y "esa rosa del Líbano cargada de metralla". Colecciona las rosas del mundo conocido, incluso las heridas por la guerra y los odios, porque son sólo rosas que los hombres destrozan:
"una rosa de azufre de México D.F.", "las rosas perfumadas que hay en Mahé, Seychelles", " y "ciertas rosas espléndidas que contemplan Granada".

Quiroga Clérigo promete regalarnos una rosa roja en primavera, "antes de la llegada del fuego del verano", "una bella rosa rescatada del río Usumacinta o de los ríos limpios que aún viven en los valles, conseguida con riesgo del Danubio, extraída del Bósforo una tarde, obtenida en la noche de Belmopan (Belize), recogida en silencio en los acantilados de Dana Point un día".

Preparemos pues el búcaro de nuestro corazón para recibir tan insólito ramo de flores poéticas.

ADRIÁN ARZA

...asiste al transcurrir de las otras vidas / Asiste incluso / al transcurrir de la propia.
En la novela fantástica de Bioy Casares "La invención de Morel" un náufrago asiste a un improbable teatro de sombras mecánicas. En la contemplación de ese artilugio conoce a una mujer (la imagen de una mujer) de la que se enamora. Para lograr ese amor (la apariencia de ese amor) lleva a cabo lo que en la moderna jerga artística se denomina intervención: el náufrago se introduce, subrepticio, en la trama de esa realidad fantasmagórica. Le resulta indiferente o anecdótico el que tal operación suponga su propia muerte ya que ahora forma parte de una historia que lo incluye y lo trasciende.

Como se dice en bibliotecología: / no es clasificable 
En los últimos años, en candorosos encuentros poéticos under, solían celebrarse lides de imitación del "estilo Revagliatti". No he de mentir: también yo, con variable fortuna, participé de esas chuscas aproximaciones a la obra que hoy me toca presentar. Es sabido que el imitador busca acercarse a su modelo. ¿Qué intentaba atrapar con esos torpes remedos? Aún hoy, no lo sé. Sospecho que quien sólo ve en Rolando Revagliatti una "performance" ligada a lo gestual o a un cierto modo de decir ve la mitad del paisaje, la felicidad de un instante. Es posible que la obra (las palabras que irrumpen libres desde el texto) le resulte extraña, oculta. Irónicamente, superflua.

Equilibrio entre este espejo factible / y ese otro, improbable
Tal, de algún modo, el cabo suelto de lo que podríamos llamar la paradoja Rolando Revagliatti: quien se acerque a su obra escrita después de presenciar a su obra "dicha" está condenado, si no a una decepción, por cierto a una trabajosa relectura: es difícil demoler un clásico. Déjenme anticiparles que vale la pena. Puede intentarse un esquema simplificado: suponer que coexisten dos artistas conjugados y distintos. Llámese Revagliatti al primero, al "recitador argentino"; en tal esquema bien podríamos designar como Rolando al autor oculto, casi secreto. Al poeta.

con la naturalidad y hasta simpleza / que me caracteriza
Revagliatti se confiesa ante nosotros, la barra de amigos que con ineficaz e inclaudicable envidia lo escucha. El se ha acostado, quizás contra su voluntad o en amores mercenarios con Kim (Novak y/o Basinger), con Anouk, con Sharon y con Stefania... ¡Si sabré qué padecer es el de las rubias / lascivas! En su particular humor de mesa de café, los relatos transcurren en escenarios exóticos, extraños, lejanísimos. Revagliatti, canchero, nos permite colarnos a esos mundos mediante el idioma (que nos es) común. Así, desfilan policías en curda, heterosexuales turros, zoncitos en corazoncitos, rimadores amasijados en pelotas, morondangas... En el mejor momento, Revagliatti nos guiña y nuestro corazón se alboroza porque sabemos que viene el chiste, como cuando retuerce el fino cuello de la actriz hollywoodense o cuando fotografía a la artista tropical de varieté / pulposa. En medio de la actual proliferación de poesía supuestamente amatoria, trasgresora o sencillamente desfachatada, Revagliatti hibrida elegantemente géneros, maridando ironía, erotismo: Satisfaciendo al sensible señor / una chica lo que se dice / corta de faldas. Qué fineza, qué toque amable de sutil chanchadita.

Es / en soledad / donde es
El otro, Rolando, es el que permanece. Nuestro gerundioso amigo es el náufrago que elige quedarse para la eternidad en la isla de Morel, no preso ya sino entregado a la fabulosa, inexorable máquina de imaginar. Sospecho que Rolando, al contrario de Revagliatti, no nos necesita. Los contornos de su personaje son vagos, de difícil sujeción, un rostro en disgregación que buscara adaptarse, proteico, al tipo de materia que conforma los sueños: Cualquiera de nuestras enrarecidas atmósferas.
¿Qué podemos afirmar acerca de Rolando? Poco. Aparece ante nosotros como un fantasma, un incorpóreo (tener una vida / por fin y sin embargo) fugaz (así es él, de mundo, aun en las malas / huyendo, ocultándose...) un ser que percibe un mundo oculto (No me imagino / más / que a un cierto / canto / envolviéndolo / todo) con novedosos sentidos (Dios ama / la voz de mi mente). Como en una parábola cabalística de sabios que intentan ingresar al paraíso místico: no todos consiguen entrar, no todos logran salir. Sorteado el peligro de haber fallecido casi sin abrir el alma, debemos permanecer en el equilibrio entre este lado de acá del simulacro / y la parodia contigua donde quizás podamos encontrar al sosías, al siamés parodiador Revagliatti. Al cerrar el libro, la pregunta queda, insidiosa, desesperada: ¿Cómo es / donde no es / acá?

Y aprende a despedirse el invitado
Al aceptar el encargo de estas líneas, dudaba acerca de mi capacidad para descubrir o describir algún aporte significativo, una verdad secreta cuya revelación sorprendiera, si no al mundo, mínimamente a los amigos. Compruebo ahora, con tranquilo deleite, que tenía razón en dudar: fui felizmente derrotado por la dupla Rolando Revagliatti.
Hasta aquí llegó mi amor. Caro lector, te abandono sin más. Como decía la propaganda de Malboro: donde comienza la aventura. Te deseo, en gozosa complicidad, mi misma suerte.


Gerardo Lewin

Título, dedicatoria, epígrafe y seudónimo señalan lo que me parece una elección (decisión[¿]) importante: exhibir un lugar femenino que reconoce su fragmentariedad horizontal y vertical en el canon y, al mismo tiempo, la ineludible puesta en texto de una opción vital por la “literatura”.

De entrada, la voz femenina parece resonar como la de una memoria amasada en los recodos de la infancia casi onírica y de una vida habitada por dos fuertes pasiones: la literatura y la amistad que le dan sentido. La pasión literaria (como “oficio de fe”) es, en realidad, una fuerte pulsión de deseo artístico modelado en la infancia y amasado en letra como opción involuntaria, como resultado de algunas impotencias. El arte es camino, mediación para el acceso a un mundo paralelo, liberador, “mágico”, develador de los secretos de lo real dentro de lo que se oculta lo distinto, lo que se des-ata cuando el propio cuerpo se transforma en el cuerpo de la escritura, se desanuda, se explaya y se abre dolorosamente como en parto. 

Si el arte literaria (escrita y leída) es eso, tiene entonces potencia para mostrar, señalar, demostrar, enrostrar, golpear todos los dolores metaforizando injusticias, genocidios, muertes, la cara enferma de la humanidad. Y esto más allá de que respete o no las formaciones rigurosas del verso o del relato acerca de las que ya ni siquiera es necesario interrogarse. A veces, sin embargo, todavía es imperioso dar “forma al caos” aparente del recuerdo, contando lo que sucedió o se cree sucedió en algún momento de la experiencia; cosmo contaminado con “cuentos” escuchados o leídos que insisten en hacernos recordar aún –tal lejos de la crítica pos- a ciertos fragmentos de los fundadores que se nos meten entre los ojos y no se alejan aunque intentemos espantarlos con el gesto de la mano.

Porque –a, porque para la voz que narra hay sólo una Luisa con su gato y su historia de amor, y sólo un pavo cuya muerte se aferra a la memoria, y sólo una manera de leer a Shakespeare y de homenajear a los viejos dorados españoles y a los nuevos y aventureros semiólogos que hacen posibles estos relatos y estas especulaciones.

Por eso las narraciones se vuelven poemas, se ensimisman con un ritmo peculiar y repetido que aproximan otros aires y miradas dulces, un tanto nostalgiosas cuando no un tanto autocompasivas pero finalmente redimidas en la imagen de la madre siendo madre-mujer-pasión como la misma mano que escribe, la misma boca que pronuncia.

Otra página y acá se privilegia, con más fuerza que en otras anteriores, una discursividad preñada de ironía para calar en las ferias de vanidades características de la estupidez humana cuya pequeñez no obstante asoma en el gesto oculto y silencioso apenas percibido por la mirada crítica. Mirada que acusa también a las mujeres-macho que profundizan la cultura masculina, que estigmatiza a los héroes inventados por la imaginería de sus indudables herederos en un mundo cuya cartografía es recorrida descubriendo no los museos plenos de reconocidas “maravillas”, sino los intersticios donde se guarecen los desechos miserables que aquellos desconocen. 

Es demasiada vida la que se bebe la literatura para existir, se señala en homenaje a un poeta del dolor y de la muerte y es el esfuerzo de ponerla en texto lo que este conjunto de “fragmentos” ejecuta. Después de viajar por ellos hacia un mundo muy ancha y nada ajeno, me voy a dormir con los ojos llenos de imágenes, sonidos, escenas que ya no sé si son mías o ajenas, pero sin duda íntimamente compartidas.

Zulma Palermo

Con sus manos urgentes, acaba de encender el fuego, para la eterna fiesta de la fama evocando la madera multiplicada, el nido, las hojas, la memoria del pájaro. Él, enciende a dentelladas la fogata, se arrima, se coloca cerca, revuelve los olores del café con su último poema "Los sin Tierra".

Él busca el calor de otras hogueras y escribe a galope de desbocado, sin que nadie lo detenga. Acuñando todos los cielos, en sus dedos acerca mares, va de Barcelona a Brasil con la misma velocidad e intensidad. En su territorio crujen; llaves, trenes, asombros, callejones, y un viento que nos trae el olor del pan caliente, un teclado de leños resistiendo a las primeras lluvias.

Él tiene en sus manos la poesía, como a una mujer caminando por un húmedo bosque encantado. A esa suave piel, la acaricia bajo las circunstancias de los signos, porque sabe decir la palabra que lo habita, porque empieza a tener la certidumbre de una tarde de bermejas ciruelas, la certeza morada, que nos imprime como sello la locura, Marcelo a mano alzada, ha comenzado su safari, con la complicidad de una paloma mensajera, va descalzo en infinitas interiores, comparte los leños, a la misma hora que los amantes se encuentran bajo la misma mirada de un ángel. Ahora ha remontado vuelo, libre, planeando alto, más arriba de las luciérnagas, y en sus alas la belleza y la memoria del pájaro.

Miriam Fuentes, poeta salteña

Hay eufonía, penumbras de un raciocinio díscolo a la fría claridad del concepto y emociones íntimas que deambulan entre variados parajes de los sentidos en el inicial poemario de Beatriz Saavedra.

Ecos de una gruta a veces enigmática, espejos de memoria, nos conducen a instantes medulares por las regiones ambiguas de este sueño obscuro que somos.

En los pliegues del silencio donde se desnuda la palabra poética nadie sabe ya el nombre, las formas de la llama, el polvo desleal.

El idioma se rehace en nuevas fraguas y destila significaciones inéditas hacia un ámbito de revelaciones.

Un desfiladero de intemperies, bajo la indecisa luz, nos lo devela como un haz esparcido entre el fulgor de sus señales, a pie de mundo.

Desvaríos, simetrías, cauce envolvente de imágenes que, una vez más, inauguran el lenguaje.

Luego será mañana (en otra habitación) se escribió el 16 de abril de 2006, casi siete días después de la desaparición de Claude Esteban y tres días antes de su cremación. Los poemas aquí vertidos deben su existencia a los versos del poemario Quelqu´un commence à parler dans une chambre, publicado por Flammarion en 1995. 

Cuando Jean-Michel Maulpoix le comunicó a la autora la muerte de Claude Esteban ésta se encontraba en plena relectura de su obra, tomando algunas notas para la preparación de una ponencia sobre su poesía que presentaría en un Congreso dedicado a este poeta, ensayista, traductor y, sobre todo, gran persona, que la Universidad Paris X-Nanterre organizaba desde hace varios meses.

En diciembre de ese año iba a conocer personalmente a Claude Esteban. Por desgracia esto no fue posible. Ni Paris, ni Nanterre, ni ella misma pudieron entonces, ni podrán estrecharle la mano ya nunca, pero su voz sí estará presente, ahora y siempre en el corazón de quienes le conocieron.

Luego será mañana (en otra habitación) es un homenaje al poeta, a su poesía. Por ello Ángela Serna ha querido dedicar las páginas pares a sus versos, incorporando en las páginas impares esos otros versos que, sin saber cómo, le visitaron un 16 de abril, casi siete días después de su desaparición y tres días antes de su cremación. Desde el 19 de abril de 2006, el cementerio Père Lachaise acoge sus cenizas. Descanse en paz. Este poemario es un brindis a su recuerdo, en el que Ángela Serna nos ofrece un sorbo elegiaco en su honor, una andadura íntima por la vida y por la poesía, a la que podemos dar comienzo con esas palabras suyas tan hermosas con las que clausuró Quelqu´un commence à parler dans une chambre:

Tu étais si belle dans le matin
que j´ai cru que je n´allais pas mourir.

"La lluvia de los días sobre la selva" es un auténtico orvallo de escenas bucólicas de una selva que sólo perdura en los sueños y los recuerdos de la autora; escenas que se despliegan en imágenes de una estética exquisita que hacen aun más dolorosa la remembranza del antiguo esplendor natural de la selva y más traumática la constatación de la cruda realidad de una exuberancia vegetal reducida a triste paramera , de unos cerros despoblados y alfombrados con cascotes y de un paisaje desvanecido en las tinieblas de una civilización al borde de su propio exterminio.

NICOLÁS ZIMARRO

Juegos de la memoria, poesía para despertar al dormido, fosforescencia hecha palabras para encontrar la llave que destrabe los cerrojos del olvido. Este libro nos desafía.

El ser del hombre habita en su memoria, casa de la existencia donde el recuerdo es ese peregrino que necesita errar, vagar incesantemente para encontrar lo perdido. Errancia perpetua en el poeta donde la creación -el gesto mismo de crear- se convierte en otra forma de recordar, de despertar a la vida aquello que siempre está en pugna con uno mismo. Y se resiste. El crear posibilita, también, infinitas reconciliaciones. Como el recordar, que nunca es exactamente aquello que sucedió. La memoria tiene sus juegos. Sus reglas intencionales y desconocidas. Ningún olvido es casual. Recordar nos permite, al igual que el crear, darnos cuenta que no hay clausura de la existencia, que siempre habitaremos en el poema general del universo que es mucho más que el revés del poema que leemos. Poema que se inscribe en un territorio otro impredecible y tan real como el juego de los espejos, calidoscopio del pensamiento en la mirada.

Al mismo tiempo que un poeta escribe, le está prestando la mano, su voz, a tantas voces y manos desconocidas que vagan por la tierra, por su mundo, que son de todos y no admiten gobierno. En esa elección de vida, que es militar para la poesía, aceptando la elección que le precede (porque la poesía es anterior al poeta) el hombre testimonia el canto y el llanto de su tierra, de los otros. Hay un punto en que su ductilidad es tal que una palabra respira el aroma de una magnolia o un río incesante corre por la cadencia de su poema. Así va apareciendo la historia de un poeta, de su patria, acariciando la tierra y la existencia misma. Así nos desafía Reynaldo Uribe a pensar el mundo. Su firme militancia por la vida le ha dado, entre otras cosas, la posibilidad del pensamiento agudo, profundo, y esto aparece en la estructura general de sus poemas por lo cual es algo mas que poesía escrita -palabra aferrada al papel-, es palabra liberada de sus prisiones y devuelta al mundo con dignidad resignificada.

Mónica Muñoz

Heinrich Böll decía, refiriéndose a la situación de los escritores alemanes de posguerra: “Se debiera saber algo que es mucho más atinado, es decir: la búsqueda de un lenguaje habitable dentro de un país habitable”.

Una definición, que hoy continúa vigente en nuestra sociedad. “La generación más reciente tiene que trabajar con empeño, tiene que hallar la salida, tiene que hacer habitable este país también en el plano de la literatura. Un país es habitado y habitable cuando uno puede sentir nostalgia por él”.

Y yo pregunto, ¿quién puede añorar la última década de nuestro país? Pero tanto ellos (los sobrevivientes de la segunda guerra) como nosotros, hemos dejado —porque era nuestro deber para las futuras generaciones— testimonio del horror.

“A los que no pudieron escribir su último poema”. Así comienza resistencia, de Reynaldo H. Uribe: con una dedicatoria despojada de todo artificio; el destinatario implícito es el ausente.

El título coincide con el tema central de la obra: la “resistencia” que surge de parte del hombre aislado por la represión frente a una sociedad no elegida que lo oprime y margina; como contrapartida está la búsqueda, a veces infructuosa y otras desesperada, por rescatar la dignidad humana.

Este tema se desarrolla mediante dos ejes semánticos contrapuestos: individuo versus sociedad, que corresponde a la oposición eros-tanatos. 

Los motivos que representan esa sociedad deshumanizada serán entonces: la corrupción (“No hay / un solo rincón / uno / donde la lágrima / permanezca intacta / limpia /ella”); el exterminio (“que devora los últimos poemas”), el amor degradado (“alguien quiere / que el amor / sea una rata...”); el poder (“cuidado nuevos dioses / con programar amaneceres...”).

En contraposición, aparece el segundo eje semántico representado por los sentimientos más íntimos de la condición humana: la lucha (“se puede / aún / resucitar el sol”); los sueños (“los sueños / de hoy / son pájaros / sin cielo”); la tristeza (“cuando vea una rosa / y esté solo”).

Poesía nominal, libre de toda retórica, utilización precisa de la síntesis. Emplea un lenguaje desgarrado, ícono de esa realidad. Intenta desde el plano de la escritura plasmar la represión vivida cotidianamente; para esto se vale de imágenes expresionistas como “alguien quiere que el amor sea una rata...” o “no sé / si prostitución / es abrir las piernas / o cerrar los ojos”.

Tal vez uno de los hallazgos más sorprendentes de resistencia es que en ningún momento menciona el referente real, sino que está implícito en cada palabra o frase del poemario. No hay protesta fácil sino un reclamo justo del hombre hacia el hombre.

Esta segunda edición significa, en este caso, mucho más que una cantidad de volúmenes vendidos; implica a un lector, a un coautor que ha sobrevivido, que ha elaborado su propia “resistencia”.

Ana Victoria Lovell

Casa de vidrio es un poemario de Reynaldo Uribe. "Arte poética" inaugura la serie y presiona como el manifiesto lírico de quien ha rozado tierra firme y apuesta a defender ese lugar: Yo llevo tranquilamente / mi alma en un plato / al almuerzo de los años futuros. ¿Qué características rodean dicho lugar? Quizás el del cuartito de atrás -la metáfora le pertenece- donde las herramientas familiares potencian los trabajos más gratificantes. Allí se alimenta la resistencia. Resistencia a la intemperancia de una época, donde el ruido del mundo ha ensordecido la voz de las utopías. Resistencia a no dejar de ser uno mismo.
Parece oficiar como portada y cierre de los poemas que le suceden, y nos invita a un recorrido por sucesivas etapas o estaciones existenciales que se insinúan en el resto de la muestra lírica.
Su imagen poética dominante concentra el croquis de un proyecto ético. El alma=plato es una invitación, es circular como la amistad, proscribe la arista -siempre mezquina y discriminatoria-, tiene un centro, pero está abierta y disponible. Aparece como un exorcismo de todas las formas de la muerte.
Enhebran el resto de los poemas un mismo vibrar: la emoción se hace palabra, pero cuando lo visceral presiona busca la sentencia más clara. Ausculta sin concesiones, pero manifiesta con parsimoniosa calidez. Da vuelta en sus pensamientos pero no revuelve una retórica.
Su imaginación roza lo visionario, pero urbaniza sus escenarios significativos. Esta urbanización visionaria tiene un centro simbólico, la "casa materna", ese Paraíso perdido donde se respiraba la inmortalidad, que es sólo un apunte fugaz en el recorrido azaroso del existir humano como constante expulsión, hasta enfrentarnos con los límites del último umbral ("El riesgo de lo vivo").
Entre estos dos hitos -Paraíso perdido y "último umbral"- está la intemperie de las calles ciudadanas ("Otoño", "Poeta por la ciudad") en cuyas veredas se acumulan el saldo, lo descartable, el olor y el detritus de la soledad que es igual en todas las esquinas del mundo, cuando las ensombrece alguna injusticia.
En esta polis de los desesperados, desestimada por apresuramiento de los que tejen lazos en la polis de los satisfechos, la acumulación cierra toda garganta: Las palabras caídas / mientras tanto siguen allí en la alcantarilla / tapando las hojas secas que caen tapando / a las palabras que caen y nadie / está dispuesto a recoger. ("Otoño")Aquí aparece una figura fundamental: el testigo. El poeta alude sin estridencias a una misión, la de ser un militante de la memoria, porque puede reconstruir "ventanas" entre el ahora y el mañana ("Los testigos").
El mapa de la ciudad es una manera de situar y sitiar su morada, que no es sino el recinto de otro límite: "el espejo", duplicación del rostro y de su historia ("De espejos, poemas y suicidios"). La instancia del "espejo" es el tópico donde confluyen todas las preguntas.
Pero no deja de lado otros elementos protagónicos: los conspiradores, los monstruos, los fantasmas que anidan en la sombra o aparecen en distintas formas de opresión. Sólo el amor es el paliativo y el alimento de la resistencia. Porque amar es conspirar o respirar juntos, la forma más consistente de vibrar al unísono, de consolidar la fuerza.
Pero en este forcejeo entre esa plenitud amorosa -última y cristalizada trinchera de la resistencia- y la intemperie, donde asedian la soledad, la incomprensión, los fantasmas, los conspiradores, hay una tensa espera ("Alguien"). "Alguien" es un anónimo y azaroso paladín de la esperanza, "alguien" que pueda reemplazar al centrofoward que murió al amanecer, tomar su lugar y dar con la jugada certera que revierta la derrota de la justicia.
Reynaldo Uribe arquitectura sus imágenes con símiles de la construcción urbana: ciudad, calles, casa-morada, espejo, ventana, cerrojo, umbral. El lector percibe que es convocado a un recorrido que no le es ajeno, es su propio transitar desde el mundo hacia su soledad. El poeta señala al espejo como testigo o como barrera infranqueable, a la ventana como bisagra para pivotear entre la memoria y el futuro, pero sintetiza en la imagen del cerrojo tenaz ("Cerrojos") sus propias posibilidades liberadoras: encontrar la llave extraviada que se parece a una palabra.

Amórfor es un libro que se ampara en el acto puro de quebrantar o de cambiar algo mediante la ejecución. No hay nada pasivo. Porque no se entiende la ley o porque no se ve el límite de proseguir. Las consecuencias. Para este caso pecado y pureza son sinónimos absolutos. En esa mal entendida pero vital liberación que implica infringir una ley, humana o divina (para todo lo que no entendemos), por el "simple" hecho de ser naturaleza en naturaleza. O alguien le va a decir a una rara mariposa: Espérame en esa flor que voy a traer la cámara para tomarte una foto. Todo lo posible la naturaleza lo permite. Vivimos en el mundo imaginario y no en el real. Los versos están tan medidos que se tornan desafiantes para la forma en que pueden verse. Es mi manera de mostrarle al mundo que no hay nada que germine en nuestra mente y que no sea posible de realización. Y esto porque el estado de pensar también es una acción natural. De la naturaleza. De la filosofía si se quiere.

El conjunto de poemas que he titulado Facción de imperdido al arte resuma en el descontrol. En ese orden "aparente" que nos envuelve por reconocimiento. En la pérdida de ese orden para ver otros. Se revela la probabilidad de ya no creer en nada. Ni en vida ni en muerte. Se desarrolla las antípodas de nuestra especie para ver por los ojos de otros hombres más distantes, más fuertes, más imaginarios que nosotros. En camino a la última guerra, el sempiterno atardecer. Y tal vez alguna lograda libertad.

La escenografía de espejismos que articula Facción de imperdido al arte enfatiza la batalla contra las sombras de una mecánica impuesta por códigos inútiles, por ineficaces programas que sólo recortan los innumerables puntos de mira ante una realidad asfixiante y caduca. El libro invita al lector a ser partícipe de un esquema liberador de potencias interiores para derrocar la falsa validez de lo visible, para celebrar nuevamente la contradanza frente al fuego y los elementos, para por fin "revivir el inconsciente una y otra vez atropellado". Chrystian Zegarra

Un mundo de violencia verbal atraviesa el libro de principio a fin... El poeta sufre y ese sufrimiento lo hace escribir los poemas que ha escrito y que nos conmueve, precisamente, porque luchar por la justicia forma parte de una moral o de un estilo de vida que permite transformar las cosas a imagen de lo deseado. Enrique Verástegui 

Salomón Valderrama Cruz es un poeta 'víctima' del torrente, de la incontrolable inundación en que nada, se hunde, traga agua, palabras, barbotea y se deja arrastrar por la visión desesperada de decirlo todo. Saludo a un nuevo poeta... que ya era hora de relevar la guardia. No es egoísta, sino generoso como su propio vendaval poético, incluye en el anaquel de su historia a todos los que puede -quiénes algún día se felicitarán y tendrán que estar a la altura de ese honor. Sigue soñando poesía, poeta, me has alegrado la vida. Cecilia Bustamante

Silencios es una introspección caleidoscópica en la conciencia del autor, que se revela en una expresión poética de su interpretación del mundo. Es un diálogo íntimo con los seres inertes, esos seres sin vida que forman parte de nosotros mismos, y que es necesario mirar, sentir y pensar para conocernos mejor. Así, por ejemplo, un viejo zapato informe tirado en la esquina de una acera es algo más que cuero amorfo, es la manifestación del sin sentido de un objeto inútil. Sugiere la soledad y el abandono de quien ha perdido su pareja, aunque también nos permite imaginar las veces que fue charol en el que se miraba la luna. Una concha vacía que arriba a la playa es una tumba en el cementerio de las conchas, mas pronto se convierte en el hogar de un cangrejo solitario. Una pequeña piedra perdida en cualquier camino es ciertamente insignificante; pero, cuando la luna se refleja en su piel mojada por el rocío, se torna en una luciérnaga de plata que titila con luz trémula. Un piano abandonado en una casa deshabitada es como un ataúd guardado en un mausoleo, es la muerte que desola el cuarto de la música. Y si quisiéramos hablar con ellos, su respuesta sería el silencio. El silencio de una boca abierta en forma de puntera rota que esconde una lengua abarquillada y muda. El silencio que presagia la presencia de un cadáver. El silencio de quien perdura hundido en el barro o a golpes de puntapié. El silencio de una sonrisa de hielo, la misma que esboza el piano que muestra una dentadura perfecta e impoluta, que no es sino la mueca de una calavera.